Arta japoneza – 10 artisti si opere de arta japoneza importanti

Arta japoneza are o istorie lunga si plina de culoare, care se intinde inca din mileniul al 10-lea i.Hr. si ramane una dintre cele mai influente surse de inspiratie artistica in arta si cultura populara. Arta traditionala japoneza a fost influentata de o varietate de evenimente istorice care i-au ajutat pe artistii japonezi sa-si dezvolte setul de tehnici si limbaje vizuale unice. In acest articol, vom trece in revista cei mai importanti 10 artisti japonezi si vom explora stilurile si abordarile lor unice pentru a va oferi o perspectiva asupra lumii artei japoneze. Continuati sa cititi pentru tot ce trebuie sa stiti despre minunile artei japoneze! 

O istorie a artei in Japonia

Ce face arta japoneza atat de unica si care sunt diferitele stiluri de arta care au aparut din Japonia? Istoria artei japoneze este diversa si se intinde pe multe mii de ani. Dezvoltarea stilurilor de arta a fost observata in formele de arta iconice si traditionale ale artei japoneze. Acestea includ pictura japoneza numita  Yamato-e , care isi are originea in perioada Heian intre 794 si 1185 d.Hr. Acest stil de pictura clasica a fost inspirat de stilurile de pictura ale dinastiei Tang si se caracterizeaza prin trasaturi precum linii delicate, culori stralucitoare si scene din viata de zi cu zi si mitologia japoneza. Picturile Yamato-e  au fost influentate de tehnicile gasite in arta chineza si coreeana, cu toate acestea, adoptarea Japoniei a inclus stilul ca decor pentru suluri si ecrane folosind modele japoneze. 

O alta perioada profunda de dezvoltare in arta japoneza a fost perioada Kamakura, care a vazut influenta budismului zen asupra artei japoneze. Acest lucru a dus la aparitia stilului de pictura cu cerneala Sumi -e , care este, de asemenea, recunoscut ca „pictura zen”. Sumi -e  este o metoda care se concentreaza pe utilizarea unor lovituri de pensula minime executate cu cerneala monocroma si a fost folosita pentru a surprinde esenta unui subiect. Acest stil traditional subliniaza principiile echilibrului, simplitatii si o expresie a sentimentelor si ideilor cele mai intime ale artistului. 

Spre secolul al XVII-lea, perioada Edo a fost urmatoarea perioada majora de dezvoltare artistica rapida in Japonia, care a asistat la inventarea tiparirii pe lemn, mai cunoscuta sub numele de  Ukiyo-e.  Printurile produse prin aceasta tehnica au reprezentat scene din viata de zi cu zi, inclusiv peisaje frumoase, actori kabuki, locuri celebre si curtezane. Astfel de imprimeuri au crescut in popularitate si au influentat multi artisti impresionisti occidentali care au cautat noi forme de reprezentare. Artisti japonezi celebri precum Utagawa Hiroshige si Katsushika Hokusai au devenit maestri ai tiparirii traditionale Ukiyo-e si au creat multe lucrari iconice. Printre multele stiluri de arta unice ale artei japoneze se numara si formele sale de arta variate, care au inclus ceramica, ceramica si ceremonii ale ceaiului. 

Nu poti trece in revista istoria artei japoneze fara a mentiona Shodo , mai cunoscut sub numele de caligrafie japoneza. Arta caligrafiei japoneze este o practica artistica straveche care implica arta eleganta a literelor expresive si a fost folosita pentru a crea personaje frumoase kanji si kana cu linii curgatoare, scrise cu o pensula si cerneala.  Shodo este un aspect important al culturii japoneze si al budismului zen, care subliniaza valorile echilibrului, armoniei si atentiei. Cativa caligrafi japonezi importanti includ figuri precum Sengai Gibon, care a fost un calugar zen si Takeda Sokaku, care a deschis calea inainte pentru stilurile caligrafice moderne la inceputul secolului al XX-lea. 

De asemenea, s-ar putea recunoaste ceramica Raku din secolul al XVI-lea  ca fiind una dintre cele mai venerate si rustice productii de arta japoneza, care evidentiaza tehnicile speciale de glazura ale tarii. Ceremonia japoneza a ceaiului, numita si chanoyu  sau chadō , care inseamna „calea ceaiului”, este o alta practica artistica unica japoneza care a aparut in perioada Muromachi si a fost, de asemenea, influentata de budismul zen. Ceremonia ceaiului este, de asemenea, recunoscuta ca teaism, care a fost inventat de criticul de arta japonez Okakura Kakuzō. Spre secolul al XX-lea, arta din Japonia a inceput sa fuzioneze stilurile de arta occidentala cu stilurile traditionale de arta japoneza, iar in anii 1950, Asociatia de Arta Gutai a fost infiintata pentru a incuraja utilizarea materialelor si abordarilor neconventionale in arta japoneza. Personalitati importante precum pictorul din secolul al XX-lea Hiroshi Yoshida au pilotat stilul traditional de arta shin-hanga, in timp ce artisti precum Yayoi Kusama, Yoko Ono si Yoshimoto Nara continua sa lase un impact semnificativ asupra artei contemporane. Cateva institutii importante in care se pot gasi colectii masive de arta japoneza includ Muzeul National de Arta Asiatica, Muzeul National din Tokyo si Muzeul Edo-Tokyo, acesta din urma pastrand unele dintre cele mai bune lucrari din epoca Edo. 

10 artisti si opere de arta japoneze celebre

Influenta artei japoneze pe scena artistica globala este, fara indoiala, imensa si a inspirat multi artisti din culturi si perioade diferite sa imbratiseze filozofiile si tehnicile inradacinate in cultura sa. Cu siguranta se poate admira capacitatea artei japoneze de a intruchipa traditia si de a imbratisa inovatia, ceea ce a dus la multe creatii complexe. Mai jos, ne vom scufunda intr-o selectie a celor mai faimosi si de impact artisti japonezi din istorie, in timp ce revizuim cele mai bune lucrari ale lor pentru a obtine o imagine completa a traiectoriei artei japoneze si a influentei acesteia. 

Tenshō Shubun (1414 – 1463)

Nationalitate japoneza unde a trait artistul Kyoto, Japonia Miscari asociate perioadei Muromachi Opere de arta celebre

• Citirea intr-o padure de bambus (1446)
• Nuanta apei, Lumina pe varfuri (cca. secolul al XV-lea)
• Seria de pastorire a boilor (cca. secolul al XV-lea)

Tenshō Shubun s-a nascut in provincia Ōmi din Japonia la sfarsitul secolului al XIV-lea. Mai tarziu s-a mutat la Kyoto, devenind director al biroului de pictura al curtii, o institutie formata din patroni influenti ai artei japoneze. Shubun este considerat de catre istorici a fi parintele picturii cu spalare cu cerneala Suiboku , un stil care isi are originea in China, dar unul pe care Shubun l-a ajutat sa il incorporeze in arta traditionala japoneza.

Dupa ce a studiat maestrii chinezi precum Ma Yuan si Xia Gui, Shubun a preluat elemente din munca lor si a creat un stil de pictura cu spalare cu cerneala, promovandu-l pana cand a devenit stilul local al acelei epoci. Shubun a continuat sa devina profesor de pictura japoneza pentru viitorii maestri precum Kanō Masanobu si Sesshu Tōyō. Reading in a Bamboo Grove , pictat in 1446, este considerat cel mai cunoscut tablou al lui Shubun, primind onoarea ca o comoara nationala japoneza.

Citirea intr-o padure de bambus (1446)

Data 1446 Mediu Culoare deschisa pe hartie Dimensiuni (cm) 134,8 x 33,3 Unde este gazduit Muzeul National din Tokyo, Tokyo, Japonia

Reflectand lucrarile anterioare ale pictorilor chinezi Southern Song, acest exemplu timpuriu de arta japoneza antica infatiseaza un peisaj si o poezie pictate pe suprafata unui sul. A fost detinuta de un calugar zen dintr-un templu din Kyoto, dar se spunea ca a fost creat de Shubun, un alt calugar dintr-un templu din Shokoku-Ji.

Multi calugari zen au adaugat o prefata si poezii suplimentare la sul, ceea ce face dificila identificarea exacta a cine a creat aceasta veche lucrare de arta japoneza. Cu toate acestea, a fost considerat a fi unul dintre singurele exemple existente de desene japoneze din acea epoca care se potrivesc stilului semnaturii lui Shubun.

Ca atare, aceasta pictura a fost transmisa de generatie in generatie in Templul Myochi-in din Kyoto ca original Shubun.

Sesshu Tōyō (1420 – 1506)

Nationalitate japoneza unde a trait artistul Bitchu, Japonia Miscari asociate perioadei Muromachi Opere de arta celebre

• Peisajele celor patru anotimpuri (1469)
• Sansui Chokan (Scroll lung de peisaje) (1486)
• Huike oferindu-si bratul lui Bodhidharma (1496)

Sesshu Tōyō a fost unul dintre putinii artisti traditionali japonezi din perioada Muromachi, care a fost foarte respectat, nu numai in Japonia, ci si in China. Acest lucru s-a datorat influentei artei din dinastia Song chineza asupra operei sale, pe care a infuzat-o cu propriul sau stil japonez. Tōyō a fost considerat cel mai influent artist care a fost pionier in pictura japoneza cu spalare cu cerneala, care a fost fondata de Tenshō Shubun, maestrul sau care l-a invatat stiluri de arta japoneza, cum ar fi Sumi-e .

Tōyō a preluat stilul traditional al maestrului sau Shubun si i-a dat un caracter japonez distinct prin incorporarea unor zone cu spatiu dimensional mai plat, linii mai groase si un contrast mai mare intre umbra si lumina. Tōyō a fost considerat de colegii sai, precum si de istorici, cel mai mare pictor din Japonia.

Peisajul celor patru anotimpuri (1486)

Data  1486 Mediu Cerneala si culoare deschisa pe hartie Dimensiuni (cm) 40 x 1500 Unde este gazduit Muzeul Mōri, Yamaguchi, Japonia

Considerat cel mai mare exemplu de pictura cu cerneala venit din Japonia, Peisajul celor patru anotimpuri este considerat de istorici cea mai buna capodopera a lui Sesshu Tōyō. Pergamentul de 15 metri descrie diferitele anotimpuri ale anului, incepand cu primavara si terminand iarna.

Influenta chineza poate fi vazuta atat in ​​stilul, cat si in tema compozitiei, totusi Tōyō a adus un caracter japonez acestei opere de arta, deosebindu-l de arta dinastiei chineze.

Tōyō a pictat si alte stiluri si subiecte de arta japoneza, asa cum se vede in desenele sale japoneze cu Buddha si in alte picturi influentate de Zen. Cu toate acestea, Peisajul celor patru anotimpuri este cel care defineste cel mai mult stilul sau si a condus la statutul lui Tōyō de maestru al artei traditionale japoneze.

Hasegawa Tōhaku (1539 – 1610)

Nationalitate japoneza Unde a trait artistul Nanao, Japonia Miscari asociate Scoala Hasegawa Opere de arta celebre

• artar (1593)
• Pini si plante cu flori (1593)
• Pini (1595)

Hasegawa Tōhaku s-a nascut in 1539 in orasul Nanao, Japonia. Si-a inceput cariera de artist pictand imagini cu Buddha in orasul sau natal si a devenit suficient de reusit pentru a deveni pictor profesionist pana la douazeci de ani. Pe la jumatatea lui de 30 de ani, se mutase la Kyoto pentru a studia mai departe la foarte respectata scoala Kanō. Multe dintre lucrarile timpurii ale lui Tōhaku sunt in stilul predat de aceasta scoala.

Dupa studiile sale la scoala Kanō, Hasegawa Tōhaku a inceput sa-si dezvolte stilul unic de pictura „Sumi-e”, care imita stilurile predecesorilor sai minimalisti.

Hasegawa Tōhaku a fost considerat al cincilea succesor al maestrului Sesshu Tōyō si un maestru al perioadei Azuchi-Momoyama, alaturi de rivalul sau Kanō Eitoku. Tōhaku a fost respectat in toata Japonia pentru incredibila sa arta japoneza si multe dintre lucrarile sale au fost listate ca comori nationale in Japonia.

Pini (1568 – 1600)

Data  1568 – 1600 Mediu Cerneala pe hartie Dimensiuni (cm) 156 x 356 Unde este gazduit Muzeul National din Tokyo, Tokyo, Japonia

Recunoscuta si ca Shōrin-zu byōbu , aceasta serie de sase ecrane este un exemplu rafinat de desen japonez. Aici, Tōhaku a reusit sa capteze lumina si miscarea doar cu cerneala ca mediu ales, permitandu-i sa demonstreze un sentiment de spatiu suplimentar, distanta si adancime prin aplicarea a trei straturi diferite de umbrire. Prin manipularea sa unica a loviturilor de pensula, Tōhaku a reusit sa creeze impresia unui peisaj in retragere pe masura ce te apropii de el. 

„Shōrin-zu byōbu” demonstreaza aplicarea bruta a pensulei pe hartie, care creeaza o imagine puternica a pinilor care ies din fundalul gol.

Privitorul poate simti vantul miscandu-se prin crang prin utilizarea de catre artist a pinilor plasati special in compozitie. Tōhaku a vrut sa creeze impresia de a fi atras in pictura si a reusit acest lucru adaugand straturi blande de cerneala pe primul plan pentru a crea efectul de adancime si distanta si pentru a mari aspectul pinii. 

Kanō Eitoku (1543 – 1590)

Nationalitate japoneza unde a trait artistul Kyoto, Japonia Miscari asociate perioadei Momoyama Opere de arta celebre

• Pictura unui Chiparos (1590)
• Scene din si in jurul capitalei (c. 1590)
• Pasari si flori ale celor patru anotimpuri (c. 1590)

Kanō Eitoku s-a nascut in 1543 la Kyoto, Japonia si a fost nepotul maestrului Kanō Motonobu. Motonobu si-a invatat nepotul intr-un stil care a fost foarte influentat de miscarile dominante chineze. Alaturi de alti membri ai familiei sale, cum ar fi tatal sau, Eitoku a fost renumit pentru munca sa in temple, unde a instalat tavane pictate, picturi pentru usi glisante si ecrane in picioare decorate.

Cea mai mare contributie a lui Kanō Eitoku la selectia de stiluri a scolii Kanō a fost stilul sau monumental, altfel cunoscut sub numele de Taiga, care a fost caracterizat prin folosirea unor pensule indraznete, figuri care sunt disproportionat de mari si un accent pe obiectele din prim-plan. Eitoku a fost foarte popular in vremea lui si a avut multi patroni care i-au comandat lucrarea.

Cea mai cunoscuta dintre aceste piese a fost ecranul cu opt panouri infatisand un chiparos.

Pictura unui chiparos (1590)

Data  1590 Mediu Cerneala pe hartie cu foita de aur Dimensiuni (cm) 170 x 460  Unde este gazduit Muzeul National din Tokyo, Tokyo, Japonia

Acest tablou paravan este format din opt panouri si infatiseaza un peisaj cu un chiparos in prim plan. Construite din mai multe panouri unite intre ele, aceste ecrane au fost folosite pentru a imparti sectiuni ale spatiilor interioare pentru a oferi intimitate incaperilor mari si partilor unei case. 

Cu toate acestea, Eitoku nu a pictat initial aceasta scena pe un paravan, ci a pictat-o ​​pe o usa glisanta. Paravanul a fost apoi folosit intr-o resedinta aristocratica care a fost construita in 1590.

Eitoku a pictat copacii folosind o mana grea si o pensula pentru a transmite efectul unei forte coplesitoare si a acoperit fundalul cu foita de aur. Contrastul general al piesei a fost realizat folosind linii puternice si o paleta de culori limitata pentru a crea o compozitie izbitoare. 

Tawaraya Sōtatsu (1570 – 1643)

Nationalitate japoneza Unde a trait artistul Kyoto, Japonia Miscari asociate Scoala Rinpa Opere de arta celebre

• Pasari de apa in iaz cu lotus (c. 1630)
• Zeul vantului si zeul tunetului (c. 1630)
• Sekiya si Miotsukushi (1631)

Desi data exacta a datei de nastere a lui Tawaraya Sōtatsu ramane necunoscuta, a fost estimata a fi in jurul anului 1570. Tawaraya Sōtatsu a fost cel mai faimos pentru colaborarile sale cu Hon’ami Kōetsu, cu care a creat multe lucrari decorative si caligrafice, inclusiv paravane uimitoare, dintre care multe au devenit comori nationale ale Japoniei. Exemple emblematice ale acestor ecrane includ Zeul Vantului si Zeul Tunetului (c. 1630) si Sekiya si Miotsukushi (1631). 

Sōtatsu a fost, de asemenea, un designer de mobilier japonez si un artist al scolii Rinpa, care nu era o scoala in termeni traditionali, ci mai degraba un colectiv de artisti care creau desene japoneze si alte opere de arta influentate de Kōetsu si Sōtatsu. El a fost, de asemenea, cunoscut pentru pionieratul Tarashikomi , o tehnica in care se adauga picatura dupa picatura de culoare in timp ce stratul anterior este inca umed.

Sekiya si Miotsukushi (1631)

Data  1631 Mediu Cerneala, culoare si aur pe hartie Dimensiuni (cm) 152,6 x 355,6  Unde este gazduit Muzeul de Arta Seikadō Bunko, Tokyo, Japonia

Aceasta frumoasa lucrare a lui Sōtatsu este considerata o capodopera de catre istoricii de arta japonezi. Reprezentand interpretarea personala a artistului a stilului traditional de pictura Genji , Sōtatsu adapteaza stilul Genji al desenului japonez in miniatura la un format la scara mai mare, ajutand in acelasi timp la transformarea elementului de povestire vizuala al ilustratiei Genji prin utilizarea geometriei simplificate si curate.

Aceasta piesa consta din doua ecrane, fiecare reprezentand o intalnire aleatorie intre personajul Genji si fostul sau iubit. Fiecare ecran infatiseaza porti, care reprezinta calatoria si a fost probabil principalul motiv pentru care au fost imperecheate. Aceasta pictura a fost una dintre cele doua lucrari ale lui Sōtatsu care au fost datate cu acuratete si, prin urmare, este considerata vitala pentru intelegerea istoriei artistului, despre care nu se cunosc prea multe.

Ogata Korin (1658 – 1716)

Nationalitate japoneza Unde a trait artistul Kyoto, Japonia Miscari asociate Scoala Rinpa Opere de arta celebre

• Paravan cu irisi  (1705)
• Crizanteme (1706)
• Flori de prun rosu si alb (1710)

Ogata Kōrin s-a nascut in 1658 intr-o familie bogata care se ocupa cu vanzarea si designul de textile catre femeile mai bogate ale orasului. Tatal sau l-a introdus in diverse arte si a lucrat adesea impreuna cu fratele sau, Kenzan. Nu numai ca a pictat in diferite stiluri de arta japoneza, dar a fost si designer si lacuitor. Cu toate acestea, Kōrin este cel mai bine cunoscut pentru paravanele sale decorate.

De asemenea, Kōrin a fost remarcat ca a reinviat scoala Rinpa, care a fost fondata cu 50 de ani in urma de maestrii Sōtatsu si Hon’ami Kōetsu. Kōrin a ignorat normele si conventiile naturalismului si si-a creat stilul unic, care a cuprins utilizarea formelor simplificate si a stilurilor impresionismului.

Kōrin s-a concentrat pe utilizarea modelelor de culoare intr-o maniera abstracta pentru a transmite un sentiment de design decorativ plat, unidimensional.

Flori de prun rosu si alb (1710)

Data  1710 Mediu Culoare cu foita de argint si aur pe hartie Dimensiuni (cm) 156 x 172  Unde este gazduit Muzeul de Arta MOA, Atami, Japonia

Florile de prun rosu si alb  este una dintre cele mai faimoase picturi din Japonia, care se afla in prezent la Muzeul de Arta MOA din Atami si este inregistrata ca o comoara nationala. Acest paravan pliabil cu doua panouri simplu, dar frumos stilizat, infatiseaza un rau curgator, decorat cu valuri plate involburate si pruni de ambele parti ale acestuia. Prezenta florilor de prun sugereaza privitorului ca scena reprezinta perioada de primavara.

Aceasta lucrare este considerata un exemplu excelent al scolii de pictura Rinpa, unde Kōrin a aplicat o tehnica numita Tarashikomi pentru a crea aspectul pestrit al copacilor. Aceasta textura este creata prin plasarea unei serii de picaturi una peste alta fara perioada obisnuita de uscare, practicata de obicei la vopsire. Se crede ca, pe baza datarii picturilor si a altor dovezi, aceasta a fost cel mai probabil ultima piesa pictata a lui Ogata Kōrin inainte de moartea sa in 1716.

Kitagawa Utamaro (1753 – 1806)

Nationalitate japoneza Unde a trait artistul Edo, Japonia Miscari asociate Perioada Ukiyo-e Opere de arta celebre

• Trei frumuseti ale zilei prezente (1793)
• Lucrari de ac (1794)
• Femei care se joaca in oglinda (1797)

Kitagawa Utamaro s-a nascut in Edo in 1753 si este considerat unul dintre cei mai cunoscuti artisti japonezi in ceea ce priveste stilul Ukiyo-e al picturilor si imprimeurilor pe lemn. Utamaro era renumit si pentru desenele sale japoneze, care prezentau femei cu cap mare. Stilul lui Utamaro a variat, de asemenea, pentru a include studii naturale, in special, o serie de carti ilustrate despre insecte.

Opera de arta a lui Utamaro a ajuns in cele din urma pe tarmurile Europei, unde a fost bine primita. S-a spus ca accentul sau pe umbra si lumina si aplicarea viziunilor partiale au influentat foarte mult multi impresionisti europeni.

Cand artistii europeni s-au referit la „influenta japoneza”, de obicei se refereau la opera lui Kitagawa Utamaro.

Trei frumuseti ale zilei prezente (1793)

Data  1793 Tiparire in lemn de culoare medie Dimensiuni (cm) 37,9 x 24,9  Unde se afla Muzeul de Arte Frumoase, Boston, Massachusetts, Statele Unite ale Americii

Aceasta compozitie infatiseaza trei femei intr-o formatiune triunghiulara. Femeile erau toate celebritati la acea vreme si erau subiecte regulate ale operei artistului. Fiecare figura feminina este impodobita cu haine care poarta blazonele familiei. In ciuda fetelor lor extrem de stilizate, se pot distinge in continuare caracteristicile individuale infatisate pe fiecare fata, care difera de stilul obisnuit de portretizare a fetelor observat in lucrarile artistilor care l-au precedat pe Utamaro.

Aceasta forma de arta a fost foarte populara in secolele 17-19, cu subiecte care se concentrau pe viata de zi cu zi, inclusiv actori kabuki si curtezane, precum si cele asociate cu cartierele de placere ale culturii japoneze. Aceste tipuri de printuri au fost create in primul rand pentru a face publicitate zonelor locale de divertisment.

Astazi, „ Trei frumuseti ale zilei prezente” este considerata o capodopera si este cel mai bun exemplu al stilului anterior al lui Utamaro.

Katsushika Hokusai (1760 – 1849)

Nationalitate japoneza unde a trait artistul Edo, Japonia Miscari asociate Ukiyo-e Opere de arta celebre

• Marele val din Kanagawa (1829)
• Treizeci si sase de vederi ale muntelui Fuji (1830)
• Un tur al cascadelor din provincii (1832)

Katsushika Hokusai s-a nascut pe 31 octombrie 1760 si a fost renumit pentru transformarea unui stil care se concentra in mare parte pe actori, curtezane si femei frumoase, largand subiectul si introducand lucrari care includeau plante, animale si peisaje. Dintre majoritatea artistilor japonezi, Hokusai a fost cel mai renumit artist japonez la nivel international, in mare parte datorita Marelui Val de langa Kanagawa, care este considerat o capodopera iconica in istoria artei japoneze. 

Se spunea ca Hokusai a folosit peste 30 de pseudonime diferite, prin care a creat picturi japoneze si alte stiluri, cum ar fi tiparirea pe lemn. Cea mai importanta contributie la arta japoneza a fost creata dupa ce a implinit 60 de ani si include reprezentarea sa a muntelui sfant de-a lungul anotimpurilor, cunoscuta sub numele de Cele treizeci si sase de vederi ale muntelui Fuji  (1829-1833).

Marele val din Kanagawa (1829)

Data  1892 Tiparire medie in lemn Dimensiuni (cm) 25,7 x 37,8  Unde este gazduita Muzeul Metropolitan de Arta, New York City, Statele Unite ale Americii

Marele val de langa Kanagawa este cunoscut drept cea mai recunoscuta pictura japoneza din lume si este cea mai cunoscuta opera de arta a lui Hokusai. A fost publicata in jurul anului 1892 ca prima imprimare din seria Treizeci si sase de vederi ale muntelui Fuji . Pictura infatiseaza un val urias amenintator care se ridica deasupra a trei nave mici de pescuit in Golful Sagami, cu Muntele Fuji in fundal indepartat.

Dimensiunea valului i-a determinat pe unii sa presupuna ca pictura infatiseaza un tsunami, in timp ce altii sugereaza ca era mai probabil o reprezentare a unui val necinstiti enorm.

Dupa o perioada de izolare fata de Occident, stilurile de arta japoneze au fost exportate in Europa, unde au fost rapid adoptate si recunoscute ca o perioada numita japonism. Aceasta piesa speciala a fost renumita pentru impactul sau asupra culturii artistice europene, artisti precum Vincent van Gogh , un mare admirator al operei lui Hokusai, laudand calitatea liniei in desenul japonez, afirmand ca vizualul a avut un impact care ar putea fi descris ca „terifiant din punct de vedere emotional”.

Tomioka Tessai (1837 – 1924)

Nationalitate Japoneza Unde a trait artistul Kyoto, Japonia Miscari asociate Miscarea Nihonga Opere de arta celebre

• Abe-no-Nakamaro (1918)
• Intalnire cu femei nemuritoare (1919)
• Doua divinitati dansand (1924)

Nascut in 1837 ca Tomioka Yusuke, Tomioka Tessai a fost pseudonimul acestui celebru artist japonez. Tomioka Tessai era cunoscut pentru ca a fost ultimul practicant al traditiei Bunjinga , precum si un stramos al stilului Nihonga . Nascut intr-o familie de negustori, incapacitatea sa de a auzi l-a determinat sa devina carturar si a urmat domeniile literaturii si filosofiei in loc sa devina comerciant. 

Dupa moartea tatalui sau, Tessai s-a mutat intr-un altar sintoist, unde a petrecut mai mult de 10 ani studiind sub numerosi pictori realizati. El si-a dezvoltat in cele din urma stilul unic, care a fost inspirat de influenta crescanda a artei occidentale asupra lumii orientale, si l-a mutat pe Tessai sa pledeze pentru revenirea la stilurile traditionale de pictura, initiind astfel miscarea Nihonga in Japonia.

Abe-no-Nakamaro scriind o poezie nostalgica in timp ce privea luna (1918)

Data  1918 Mediu Culoare pe matase Dimensiuni (cm) 52 x 145,2  Unde este gazduit Muzeul de Arta Adachi, Yasugi, Japonia

Aceasta capodopera frumoasa a fost creata de Tomioka Tessai in 1918. Aceasta panza de matase prezinta un peisaj al Japoniei rurale, reprezentat in nuante de rosu si verde vii, care dau viata compozitiei de altfel bej si plictisitoare. Pictura infatiseaza o scena linistita, in care o figura poate fi vazuta asezata sub una dintre pagode.

Figura descrisa era a celebrului poet si savant Abe-no-Nakamaro din perioada Nara. Dupa cum sugereaza si numele picturii, el este angajat in actul de a scrie poezie, lucru pentru care era foarte venerat, in timp ce privea rasaritul lunii pline peste dealurile indepartate.

Takashi Murakami (1962 – Prezent)

Nationalitate japoneza unde a trait artistul Orasul Itabashi, Tokyo, Japonia Miscari asociate Stil superplat si arta contemporana Lucrari de arta celebre

• Smooth Nightmare (2000)
• My Lonesome Cowboy (1998)
• Tan Tan Bo (2014)

Takashi Murakami s-a nascut la 1 februarie 1962 si este recunoscut drept unul dintre cei mai influenti artisti contemporani ai secolului XXI. Murakami lucreaza intr-o varietate de medii, inclusiv pictura, animatie si sculptura, inspirata de moda si cultura populara. 

Murakami este creditat cu inventarea termenului „Superflat”, care descrie stilul sau unic, informat de estetica culturii moderne japoneze din epoca postbelica.

Acest stil indica o mostenire de baza a imaginilor plate bidimensionale care a patruns in arta japoneza si industriile cinematografice la sfarsitul secolului al XX-lea. Similar cu miscarea Pop art, „Superflat” a cautat sa recicleze elementele vizuale care erau considerate „low-art” si sa le reambaleze intr-un mod proaspat pentru a le ridica la nivelul de „high-art”.

Smooth Nightmare (2000)

Data  2000 Mediu imprimare PC, pix, marker si banda Dimensiuni (cm) 40 x 40  Unde este gazduit Colectie privata

Takashi Murakami a fost supranumit „ Andy Warhol al Asiei” si este considerat cel mai faimos artist japonez de pana acum. Smooth Nightmare este reprezentativ pentru estetica sa „Superflat”, care incorporeaza imagini fara adancime vizibila a spatiului. Opera de arta infatiseaza diverse obiecte care par sa se transforme intre figuri umane si ciuperci. O figura centrala ilustrata de o ciuperca cu ochi ocupa cea mai mare parte a panzei, cu fundalul ilustrat intr-o nuanta plata de gri.

Astazi, am aflat despre primii 10 cei mai faimosi artisti japonezi, ale caror stiluri unice si contributii la arta traditionala japoneza au modelat istoria artei in Japonia si au influentat multi ganditori occidentali. Nu exista o modalitate mai buna de a intelege si de a aprecia arta japoneza decat studierea figurilor care i-au construit fundatiile.